Die Bedeutung der Gruppenkonstruktion darf in der sich schnell verändernden Kunstwelt, die in den letzten zwei Jahren durch Know-how und die Explosion nicht fungibler Token (NFTs) vorangetrieben wurde, nicht unterschätzt werden. Ein Zuschauer ist eine Gefolgschaft in den sozialen Medien, eine Gruppe ist jedoch eine Gruppe von Personen, die auf ein bestimmtes Ziel hinarbeiten.
Der Kunstmarktökonom und Pädagoge Magnus Resch hat sich intensiv mit der Bedeutung von Communities und Netzwerken für Künstler auseinandergesetzt.
Resch hat einen Ph.D. in Wirtschaftswissenschaften und studierte an der Hochschule St. Gallen, der London Faculty of Economics und Harvard. Neben seiner Lehrtätigkeit in Yale hat er eine Reihe von Publikationen zur Ökonomie der Kunstwelt verfasst. Er ist in wissenschaftlichen Zeitschriften und Hauptpublikationen wie The Wall Avenue Journal, The New York Occasions und Self-importance Truthful erschienen.
Resch sprach kürzlich mit Cointelegraph über sein neuestes E-Book Tips on how to Create and Promote NFTs — A Information for All Artists, das die Bedeutung des Aufbaus bedeutender Gemeinschaften für Künstler und die Schaffung und Förderung von NFTs untersucht, die für ihre Kunstwerke geeignet sind.
Cointelegraph: Dr. Resch, wie wichtig ist die Gruppenbildung für Künstler in der sich schnell verändernden Welt der Kunstwerke?
Magnus Resch: Nachbarschaft innerhalb der Kunstwelt ist für den Erfolg eines jeden Künstlers wesentlich, jedoch ist es viel wichtiger, im passenden Kreis zu sein. In einer meiner aktuellsten Forschungen habe ich Tausende von Gemeinschaften innerhalb der Kunstwelt befragt, um ihren Einfluss auf den Erfolg jedes Künstlers zu bewerten. Die Ergebnisse waren schockierend: 1000 % der Künstlergemeinschaften hätten keinen konstruktiven Einfluss auf den Beruf eines Künstlers.
Diese Gemeinschaften – ich nenne sie „Inselnetzwerke“ – bestehen aus Museen, Galerien, Künstlerkollegen und Anhängern oder Unterstützern. Diese Teams implizieren gut, werden jedoch nie wirklich einen Unterschied zum übermäßigen Ende des Marktes machen. Alternativ führt allein eine Gemeinschaft zum Erfolg. Für einen Künstler, der nach Erfüllung strebt, sollte es das Ziel sein, sich als Teil davon zu erweisen. Ich nenne es das „heilige Land“.
CT: Können Sie einige Schlüsselmethoden für Künstler identifizieren, um effizient in diese eine Gruppe einzudringen, die Sie das „Heilige Land“ nennen?
HERR: Meine Untersuchung zeigt, dass die Kunstwelt ein Volksunternehmen ist. Wen Sie verstehen, ist wichtiger als das, was Sie verdienen. In Ermangelung von Zielstandards, die definieren, was „gute Kunstwerke“ sind, greift die Community ein, um zu bestimmen, was schöne Kunstwerke sind und was nicht. Deshalb ist Netzwerken so wichtig.
Für Künstler bedeutet dies, keine regelmäßigen Ausgaben im Studio zu tätigen. Geh raus und triff die passenden Leute, bestenfalls die, die zum Heiligen Land gehören. Oder um es ganz offen zu sagen: Künstler sind auf sich allein gestellt und müssen einfach akzeptieren, dass sie Unternehmer sind, die ein Unternehmen betreiben. Branding, Werbung und Marketing sowie Eigenwerbung sind wichtig für ihren Erfolg und wichtiger als ihre Kunstwerke. Künstler, die bereit sind, gefunden zu werden, werden scheitern.
CT: Welche Position spielen soziale Medien und digitale Plattformen, wenn es darum geht, Künstlern zu helfen, sich mit ihren Zuschauern zu verbinden und eine Art der Gruppe zu fördern?
HERR: Soziale Medien sind im Wesentlichen die relevanteste Werbe- und Marketingsoftware für Künstler. Sie können sich nicht auf Galerien verlassen, da die meisten Galerien Teil von Inselnetzwerken sind und nach ein paar Jahren schließen. Tatsächlich erwirtschaftet ein Drittel aller Galerien keineswegs Einnahmen.
Es ist schwierig, ins Heilige Land zu gelangen, da jedes Jahr nur wenige Orte zu finden sind. Deshalb ist der Bau eines Modells für Künstler so essentiell. Die einfachste Methode, dies zu tun, sind soziale Medien: 45 % der Kunstkunden betrachten soziale Medien als einen entscheidenden Kanal, um Künstler zu finden und zu entdecken. Offline-Galeriebesuche kommen an zweiter Stelle. Ich behaupte, dass jeder Künstler, der es ernst meint, es in der Kunstwelt zu schaffen, Instagram will.
CT: Hat sich das mit dem Aufstieg der NFTs geändert?
HERR: Auf keinen Fall. NFT-Aufgaben haben es ermöglicht, Künstlern beizubringen, was es braucht, um es ohne unsere Galerieunterstützung zu schaffen. Wir haben jetzt gesehen, dass die entscheidende Säule in jeder NFT-Herausforderung die Gruppe ist. Fehlgeschlagene Aufgaben haben die Gruppe als "Zuschauer" fehlinterpretiert.
Ein Zuschauer ist der nächste in den sozialen Medien. Eine Gruppe ist ein geschlossener Kreis, eine eng verbundene und energische Gruppe von Individuen, die auf das gleiche Ziel hinarbeiten. Sie können auf Social Media sammeln, aber es geht darüber hinaus. Beim Aufbau einer Gruppe geht es darum, loyale Mitglieder aufzubauen, die das Konzept eines Künstlers unterstützen. Ich denke früher oder später an den Ort, an dem Künstler ihrer Gruppe Stimmrechte geben, sie an Aufgaben teilnehmen lassen und Konzepte und Eigentum teilen. Das ist ganz anders als die Zuschauer, die wir sprechen, die identisch sind und sich daran halten, aber nicht teilnehmen.
CT: Können Sie einige profitable Beispiele konventioneller Kunsteinrichtungen identifizieren? und Galerien, die NFTs angenommen haben, und den Einfluss, den sie auf ihr Unternehmen hatten?
HERR: Die wichtigsten Gewinner des NFT-Hypes waren Digitalkünstler wie Beeple, Justin Aversano und Jen Stark. Digitale Kunstwerke nahmen auf dem Kunstmarkt keineswegs eine Riesenstellung ein, da sie nach Portraits, Skulpturen und Bildern das unmodernste Medium waren. Und sofort hatten einige dieser vom Markt vernachlässigten Digitalkünstler riesige Summen verdient und Werbung zu Berichtskosten gemacht. Nichtsdestotrotz wird der eigentliche Einfluss von NFTs erst noch zurückkommen. NFTs wären das zugrunde liegende Know-how, um jedes Kunstwerk zu authentifizieren - und niemals nur digitale Kunstwerke. Es wird den Handel mit Kunstwerken grundlegend verändern. Ohne eine NFT, die beweist, dass die Arbeit echt ist, wird niemand das Porträt kaufen.
CT: Was sind die prinzipiellen Auswirkungen von NFTs auf den Kunstmarkt?
HERR: Bis heute gab es keine. Wir sind ursprünglich nur von dem, was zurückkommen wird. Ich sage voraus, dass NFTs einen lang anhaltenden Einfluss auf 4 Methoden haben können: Künstler werden zusätzliches Management für ihre Arbeit schulen und Tantiemen aus Weiterverkäufen verdienen; Mehr Sammler werden den Markt bevölkern, weil es klarer geworden ist; Einrichtungen werden feststellen, dass es einfacher ist, Interaktion zu haben, und ihre Gemeinschaften durch Teilnahme und Beteiligung an der Regierungsführung stärken. Und schließlich wird der Kunstmarkt nach oben reguliert und gewinnt dadurch an Wert. Tatsächlich wird dies nicht an einem einzigen Tag geschehen, da Anpassungen in der Welt der Kunstwerke Zeit brauchen. Wir schätzen, dass sich NFTs in 5-10 Jahren als üblich für die Transaktion und Authentifizierung von Kunstwerken erweisen werden.
CT: Sind Sie in der Lage, mit weit verbreiteten Fehlern umzugehen, die Künstler vermeiden sollten, wenn sie ins NFT-Haus kommen, und sich auf langfristigen Erfolg einzustellen?
HERR: Die meisten Künstler werden niemals das NFT-Haus betreten, da NFTs keine Kunstwerke sein werden. Und überteuerte, von Prominenten unterstützte JPEGs, die normalerweise mit NFTs zusammenhängen, werden verschwinden. Ich gehe nicht einmal davon aus, dass wir in 5 Jahren über den Zeitraum „NFTs“ sprechen werden, ganz ähnlich wie wir nicht mehr über MP3s sprechen können.
NFTs sind das zugrunde liegende Know-how, das bei der Transaktion von Kunstwerken verwendet wird. Früher oder später ist es nicht unwahrscheinlich, dass der Künstler jedes Porträt, das ein Studio verlässt, auf der Blockchain registriert. Innerhalb des Handels erhält der Künstler nicht nur Tantiemen, sondern weiß auch, wer der neue Eigentümer ist. Dies ermöglicht ihnen, unabhängiger zu arbeiten und sich nie nur auf Galerien zu verlassen, um ihre Arbeit zu bewerben oder zu authentifizieren. Folglich verdienen Künstler mit jedem angebotenen Stück extra.
CT: Wie können Sammler den Wert von Kunstwerken auf dem dynamischen Markt der heutigen Zeit erfolgreich bestimmen, insbesondere angesichts der Einführung von NFTs?
HERR: Die meisten Kunstwerke sind einfach keine hervorragende Finanzierung. Nahezu alle Künstler sind in Inselnetzwerken gefangen und werden keine Wertsteigerung erfahren. Sammler, die nur darauf bedacht sind, Reichtum zu schaffen, sollten sich ausschließlich auf die Künstler und Galerien konzentrieren, die die Bewohner des Heiligen Landes ausmachen. Wenn sie dennoch darauf aus sind, Kunstwerke für ein anderes Motiv zu sammeln (und es als i-Tüpfelchen sehen, wenn der Wert des Künstlers steigt), könnte der gesamte Kunstmarkt ihr Schauplatz sein.
CT: Hat die Werttransparenz und Liquidität, die NFTs ermöglicht haben, das geändert?
HERR: Viele von denen, die NFTs als Finanzierung gekauft haben, konnten damit keine Einnahmen erzielen. Sie sind zu anderen Investitionen übergegangen. Und als der Hype nachließ, waren die eigentlichen Gewinner diejenigen, die Werke kauften, die sie schätzten und bei denen sie bleiben mussten. Ein weiteres Phänomen ist zu sehen; Wir erleben derzeit die Verschmelzung des Standard-Artworks-Marktes mit einigen wenigen Digitalkünstlern, die im Zuge des NFT-Hypes aufblühten. Beeple, Dmitri Cherniak, Tyler Hobbs, Casey Reas und Artblocks, die ausschließlich auf digitalen Plattformen wie OpenSea angeboten wurden und sich an krypto-native Zuschauer richteten, haben nun damit begonnen, ihre Arbeiten mit etablierten konventionellen Spielern auf dem Kunstmarkt wie der Tempo Gallery auszustellen. Eine Illustration der Tempo Gallery, die ein Teil des Heiligen Landes ist, wird ihnen dabei helfen, ihren Wert zu manifestieren, selbst nachdem der Hype und ihre Krypto-Gönner gegangen sind.
CT: Wenn Kunstwerke einfach keine hervorragende Finanzierung sind, warum sollten wir sie dann kaufen?
HERR: Nachdem Sie eine Reihe von Informationsanalysen auf dem Kunstmarkt durchgeführt haben, hat sich herausgestellt, dass eine Sammelmethode die beste ist. Kaufen Sie, was Sie wollen, denn ganz sicher werden Sie mit dem von Ihnen gekauften Kunstwerk niemals Geld verdienen. Ich nenne es „Accountable Shopping for“ – das Konzept, dass das Einkaufen von Kunstwerken nicht nur ein Geschäft mit finanziellem Wert ist, sondern auch ein philanthropischer Akt. Weniger als Geld in einen Vermögenswert zu investieren, spende ich es, weil ich weiß, dass ich das Stück wahrscheinlich nicht weiterverkaufen kann. Durch den Erwerb unterstütze ich die Künstlerin jedoch, damit sie weiterhin Kunstwerke schaffen kann, die ihre Gruppe dazu bringen, mit dieser wichtigen Art menschlicher Kreativität fortzufahren. Für mich ist es eine Methode, Gutes zu tun, und es kommt mit einem Objekt, das ich wirklich mag, und einer Erzählung, die mich informiert.
