L'importance de la construction de groupe ne peut être sous-estimée dans le monde de l'art en évolution rapide, poussé par le savoir-faire et l'explosion des jetons non fongibles (NFT) au cours des deux dernières années. Un téléspectateur est un suivi sur les réseaux sociaux, mais un groupe est un groupe d'individus travaillant vers un objectif commun.
L'économiste du marché de l'art et pédagogue Magnus Resch s'est longuement penché sur l'importance des communautés et des réseaux pour les artistes.
Resch est titulaire d'un doctorat. en économie et a étudié au Collège de Saint-Gall, à la Faculté d'économie de Londres et à Harvard. En plus d'enseigner à Yale, il est l'auteur de plusieurs publications sur l'économie du monde de l'art. Il est apparu dans des revues savantes et des publications principales telles que The Wall Avenue Journal, The New York Occasions et Self-importance Truthful.
Resch a récemment parlé à Cointelegraph de son dernier livre électronique, Conseils sur la façon de créer et de promouvoir des NFT - Une information pour tous les artistes, qui explore l'importance de construire des communautés importantes pour les artistes et de créer et de promouvoir des NFT adaptés à leur travail artistique.
Cointelegraph: Dr. Resch, à quel point la construction de groupe est-elle essentielle pour les artistes dans le monde de l'art en évolution rapide?
Magnus Resch : Le voisinage dans le monde de l'art est essentiel au succès de tout artiste, mais être dans le cercle approprié est encore plus essentiel. Dans l'une de mes recherches les plus récentes, j'ai interrogé des milliers de communautés dans le monde de l'art pour évaluer leur influence sur le succès de chaque artiste. Les résultats avaient été choquants : 1000 % des communautés d'artistes n'auraient pas une influence constructive sur la profession d'un artiste.
Ces communautés – je les appelle des « réseaux insulaires » – sont composées de musées, de galeries, de collègues artistes et d'adeptes ou de sympathisants. Ces équipes s'entendent bien, mais ne feront jamais vraiment de distinction sur la finition excessive du marché. Au lieu de cela, seule une communauté aboutit au succès. Pour un artiste qui aspire à l'épanouissement, l'objectif devrait être d'en faire partie. Je l'appelle la "terre sainte".
CT : Êtes-vous en mesure d'identifier certaines méthodes clés permettant aux artistes de puiser efficacement dans ce groupe que vous appelez la "Terre Sainte" ?
MONSIEUR: Mon étude montre que le monde de l'art est une affaire de gens. Qui vous comprenez est plus important que ce que vous gagnez. En l'absence de normes d'objectifs définissant ce qui est une «bonne œuvre d'art», la communauté intervient pour déterminer ce qui est une belle œuvre d'art et ce qui ne l'est pas. C'est pourquoi le réseautage est si essentiel.
Pour les artistes, cela implique de ne pas se dépenser régulièrement au sein de l'atelier. Sortez et rencontrez les bonnes personnes, au mieux celles qui font partie de la Terre Sainte. Ou pour le dire franchement, les artistes sont seuls et doivent simplement accepter qu'ils sont des entrepreneurs qui exploitent une entreprise. L'image de marque, la publicité, le marketing et l'autopromotion sont importants pour leur succès et plus importants que leurs œuvres d'art. Les artistes prêts à être trouvés échoueront.
CT : Quelle est la position des médias sociaux et des plateformes numériques pour aider les artistes à se joindre à leurs téléspectateurs et à favoriser un mode de groupe ?
MONSIEUR: Les médias sociaux sont essentiellement les logiciels de publicité et de marketing les plus connexes pour les artistes. Vous ne pouvez pas dépendre des galeries car la plupart des galeries font partie de réseaux insulaires et ferment après quelques années. En réalité, un tiers de toutes les galeries ne font jamais de chiffre d'affaires.
Il est difficile de se rendre en Terre Sainte car seuls quelques endroits peuvent être trouvés chaque année. C'est pourquoi la construction d'un modèle est si essentielle pour les artistes. La méthode la plus simple pour y parvenir est d'utiliser les médias sociaux : 45 % des mécènes d'œuvres d'art considèrent les médias sociaux comme un canal crucial pour localiser et découvrir des artistes. Les visites de galeries hors ligne viennent en deuxième position. Je soutiens que chaque artiste soucieux de réussir dans le monde de l'art a besoin d'Instagram.
CT : Cela a-t-il changé avec l'essor des NFT ?
MONSIEUR: En aucun cas. Les projets NFT ont permis aux artistes d'apprendre ce qu'il faut pour le faire sans l'aide de la galerie. Nous avons maintenant vu que le pilier crucial de tout défi NFT est le groupe. Les tâches échouées ont mal interprété le groupe comme un "spectateur".
Un téléspectateur est le suivant sur les réseaux sociaux. Un groupe est un cercle fermé, un groupe soudé et dynamique d'individus travaillant dans le même sens. Vous pouvez collecter sur les réseaux sociaux, mais cela va au-delà. Construire un groupe, c'est construire des membres fidèles qui soutiennent le concept d'un artiste. J'envisage tôt ou tard le lieu où les artistes donnent le droit de vote à leur groupe, leur permettent de participer à des tâches et de partager des concepts et des biens. C'est très différent des téléspectateurs d'aujourd'hui, qui ressemblent et suivent mais ne jouent pas.
CT : Êtes-vous en mesure d'identifier des exemples rentables d'établissements artistiques conventionnels ? et les galeries qui ont adopté les NFT et l'influence qu'elles ont eue sur leur entreprise ?
MONSIEUR: Les gagnants les plus importants du battage médiatique NFT ont été des artistes numériques comme Beeple, Justin Aversano et Jen Stark. Les œuvres d'art numériques n'occupaient en aucun cas une position de géant sur le marché des œuvres d'art, car c'était le médium le moins à la mode après la peinture, la sculpture et les images. Et immédiatement, certains de ces artistes numériques négligés par le marché gagnaient énormément d'argent et faisaient la promotion à moindre coût. Néanmoins, l'influence réelle des NFT ne fait que revenir. Les NFT seraient le savoir-faire sous-jacent pour authentifier toute œuvre d'art - et jamais simplement une œuvre d'art numérique. Cela changera essentiellement le commerce des œuvres d'art. Sans un NFT prouvant que le travail est réel, personne n'achètera le portrait.
CT : Quels sont les principaux impacts des NFT sur le marché des œuvres d'art ?
MONSIEUR: À ce jour, il n'y en a pas eu. Nous sommes uniquement à l'origine de ce qui va revenir. Je prédis que les NFT peuvent avoir une influence durable de 4 manières : les artistes formeront une direction supplémentaire sur leur travail et gagneront des redevances sur les reventes ; plus de collectionneurs peupleront le marché car il est devenu plus clair ; Les établissements découvriront qu'il est plus simple d'interagir et de responsabiliser leurs communautés par le biais de la participation et de l'implication dans la gouvernance. Et enfin, le marché des œuvres d'art est réglementé pour le mieux, gagnant ainsi en valeur. En fait, cela ne se fera pas en un seul jour car les ajustements au sein du monde de l'art prennent du temps. Nous estimons qu'il faudra 5 à 10 ans pour que les NFT deviennent la norme pour la transaction et l'authentification d'œuvres d'art.
CT : Êtes-vous capable de gérer les erreurs courantes que les artistes devraient éviter lorsqu'ils entrent dans la maison NFT et se préparent pour un succès à long terme ?
MONSIEUR: La plupart des artistes n'entreront jamais dans la maison NFT car les NFT ne seront pas des œuvres d'art. Et les JPEG trop chers et soutenus par des célébrités, qui pourraient être généralement liés aux NFT, disparaîtront. Je ne suppose même pas que nous parlerons de la période "NFT" dans 5 ans, très similaire à ce que nous ne pouvons plus parler des MP3.
Les NFT sont le savoir-faire sous-jacent utilisé dans la transaction des œuvres d'art. Tôt ou tard, il n'est pas improbable que l'artiste enregistre chaque portrait qui sort d'un studio sur la blockchain. Dans l'industrie, l'artiste perçoit non seulement des redevances, mais sait également qui est le nouveau propriétaire. Cela leur permet de travailler de manière plus indépendante et de ne pas dépendre uniquement des galeries pour annoncer ou authentifier leur travail. En conséquence, les artistes gagnent un supplément avec chaque pièce offerte.
CT : Comment les collectionneurs peuvent-ils décider avec succès de la valeur des œuvres d'art dans le marché dynamique d'aujourd'hui, en particulier avec l'arrivée des NFT ?
MONSIEUR: La plupart des œuvres d'art ne sont tout simplement pas un excellent financement. Pratiquement tous les artistes sont pris dans des réseaux insulaires et ne verront aucune augmentation de valeur. Les collectionneurs uniquement soucieux de créer de la richesse devraient se concentrer uniquement sur les artistes et les galeries qui composent les habitants de la Terre Sainte. Néanmoins, s'ils sont impatients de rassembler des œuvres d'art pour un autre motif (et le considèrent comme la cerise sur le gâteau lorsque la valeur de l'artiste augmentera), l'ensemble du marché des œuvres d'art pourrait être leur plancher de recherche.
CT : La transparence et la liquidité de la valeur que les NFT ont permises ont-elles modifié cela ?
MONSIEUR: Beaucoup de ceux qui ont acheté des NFT comme financement n'ont pas été en mesure d'en tirer un revenu. Ils sont passés à différents investissements. Et lorsque le battage médiatique s'est calmé, les véritables gagnants étaient ceux qui avaient acheté des œuvres qu'ils appréciaient et devaient conserver. Un autre phénomène peut être vu; Nous assistons actuellement à la fusion du marché des œuvres d'art standard et de quelques artistes numériques qui ont prospéré au cours du battage médiatique NFT. Beeple, Dmitri Cherniak, Tyler Hobbs, Casey Reas et Artblocks, qui étaient proposés uniquement sur des plateformes numériques comme OpenSea et s'adressaient à des téléspectateurs crypto-natifs, ont maintenant commencé à exposer leur travail avec des joueurs conventionnels établis sur le marché de l'art comme Tempo Gallery. Une illustration de Tempo Gallery, qui fait partie de la Terre Sainte, les aidera à manifester leur valeur même après le battage médiatique et la disparition de leurs mécènes crypto.
CT : Si les œuvres d'art ne sont tout simplement pas un excellent financement, pourquoi devrions-nous les acheter ?
MONSIEUR: Après avoir fait plusieurs recherches d'informations sur le marché des œuvres d'art, une technique de collecte s'est avérée être la meilleure, achetez ce que vous voulez car vous ne gagnerez certainement jamais d'argent avec l'œuvre d'art que vous achetez. Je l'appelle "Accountable Shopping for" - l'idée que l'achat d'œuvres d'art n'est pas seulement un commerce de valeur financière, mais aussi un acte philanthropique. Plutôt que de placer de l'argent dans un bien, je le fais don, sachant qu'il y a de fortes chances que je ne sois pas en mesure de revendre la pièce. Cependant, par le biais de l'acquisition, je soutiens l'artiste afin qu'elle puisse procéder à la création d'œuvres d'art, ce qui invite son groupe à poursuivre ce type important de créativité humaine. Pour moi c'est une méthode pour faire le bien et ça vient avec un objet que j'aime beaucoup et un récit à raconter.
