Betydelsen av gruppkonstruktion kan inte underskattas inom den snabbt föränderliga konstvärlden, driven av know-how och explosionen av icke-fungibla tokens (NFT) under de senaste två åren. En tittare följer på sociala medier, men en grupp är ett gäng individer som arbetar mot ett typiskt mål.
Konstmarknadsekonomen och pedagogen Magnus Resch har intensivt behandlat gemenskapernas och nätverkens betydelse för konstnärer.
Resch har en Ph.D. i nationalekonomi och studerade på College of St. Gallen, London Faculty of Economics och Harvard. Tillsammans med att instruera på Yale har han skrivit ett antal publikationer om konstvärldens ekonomi. Han har medverkat i vetenskapliga tidskrifter och huvudpublikationer motsvarande The Wall Avenue Journal, The New York Occasions och Self-importance Truthful.
Resch talade nyligen med Cointelegraph om sin senaste e-bok, Tips om hur man skapar och främjar NFTs — A Information for All Artists, som utforskar betydelsen av att bygga betydande gemenskaper för konstnärer och att skapa och marknadsföra NFTs som är lämpliga med deras konstverk.
Cointelegraph: Dr. Resch, hur viktigt är gruppkonstruktion för konstnärer i den snabbt föränderliga konstvärlden?
Magnus Resch: Grannskap inom konstvärlden är avgörande för alla konstnärers framgång, men att vara i den passande cirkeln är mycket viktigare. I en av mina mest aktuella forskningar undersökte jag 1000-tals samhällen inom konstvärlden för att utvärdera deras inflytande på varje konstnärs framgång. Resultaten hade varit chockerande: 99.9 % av konstnärsgrupperna skulle inte ha ett konstruktivt inflytande på en konstnärs yrke.
Dessa samhällen - jag kallar dem "önätverk" - består av museer, gallerier, andra konstnärer och anhängare eller anhängare. Dessa team antyder bra, men kommer aldrig att göra någon skillnad på den överdrivna finishen på marknaden. Som ett alternativ resulterar enbart en gemenskap i framgång. För en konstnär som strävar efter uppfyllelse bör målet vara att visa sig vara en del av det. Jag kallar det det "heliga landet".
CT: Kan du identifiera några nyckelmetoder för artister att effektivt få in den här gruppen som du kallar det "heliga landet"?
HERR: Min undersökning visar att konstvärlden är ett folkföretag. Vem du förstår är extra viktigt än vad du tjänar. I avsaknad av målstandarder som definierar vad som är "bra konstverk", ingriper samhället för att avgöra vad som är snyggt konstverk och vad som inte är det. Det är därför nätverkande är så viktigt.
För artister innebär detta att de inte spenderar regelbundet i studion. Gå ut och träffa de passande människorna, i bästa fall de som är en del av det heliga landet. Eller rent ut sagt, konstnärer är på egen hand och måste helt enkelt acceptera att de är entreprenörer som driver ett företag. Varumärke, reklam och marknadsföring och självreklam är viktiga för deras framgång och extra viktigt än deras konstverk. Artister som är redo att hittas kommer att misslyckas.
CT: Vilken ställning spelar sociala medier och digitala plattformar när det gäller att tjäna artister till sina tittare och främja ett sätt att gruppera sig?
HERR: Sociala medier är i grunden den mest relaterade programvaran för reklam och marknadsföring för artister. Du kan inte lita på gallerier eftersom de flesta gallerier är en del av önätverk och stängs efter ett par år. I verkligheten tjänar inte en tredjedel av alla gallerier på något sätt.
Det är besvärligt att ta sig till det heliga landet eftersom bara ett fåtal platser kan hittas varje år. Det är därför det är så viktigt att konstruera en modell för konstnärer. Den enklaste metoden att göra det är genom sociala medier: 45 % av konstverkens besökare anser att sociala medier är en avgörande kanal för att hitta och upptäcka konstnärer. Offlinegalleribesök kommer i andra hand. Jag hävdar att alla konstnärer som vill göra det inom konstvärlden vill ha Instagram.
CT: Har det förändrats med uppkomsten av NFT?
HERR: Inte på något sätt. NFT-uppgifter har gjort det möjligt för konstnärer att få lära sig vad som krävs för att göra det utan gallerihjälp. Vi har nu sett att den avgörande pelaren i varje NFT-utmaning är gruppen. Misslyckade uppgifter har misstolkat gruppen som en "tittare".
En tittare är nästa på sociala medier. En grupp är en sluten cirkel, en sammansvetsad och energisk grupp av individer som arbetar i riktning mot det identiska målet. Du kan samla på sociala medier, men det går förbi det. Att bygga en grupp handlar om att bygga lojala medlemmar som hjälper en konstnärs koncept. Jag anser förr eller senare den plats där konstnärer ger rösträtt till sin grupp, tillåter dem att delta i uppgifter och dela koncept och egendom. Det skiljer sig väldigt mycket från as we speaks tittare, som är identiska med och efterlever dock inte deltar.
CT: Kan du identifiera några lönsamma exempel på konventionella konstetableringar? och gallerier som har anammat NFTs och det inflytande de har haft på deras företag?
HERR: De viktigaste vinnarna av NFT-hypen har varit digitala artister som Beeple, Justin Aversano och Jen Stark. Digitalt konstverk hade inte på något sätt en jätteposition på konstmarknaden eftersom det var det minst fashionabla mediet efter porträttering, skulptur och bilder. Och omedelbart hade några av dessa marknadsförsummade digitala artister tjänat enorma pengar och gjort reklam till rapportkostnader. Ändå är den faktiska påverkan av NFT:er bara att komma tillbaka. NFT:er skulle vara den underliggande kunskapen för att autentisera alla konstverk - och aldrig bara digitala konstverk. Det kommer i huvudsak att förändra konsthandeln. Utan en NFT som bevisar att verket är verkligt, kommer ingen att köpa porträttet.
CT: Vilka är de huvudsakliga effekterna av NFT på konstmarknaden?
HERR: Hittills har det inte funnits några. Vi är endast ursprungligen av vad som kommer tillbaka. Jag förutspår att NFTs kan ha ett långvarigt inflytande i fyra metoder: Artister kommer att träna extra ledning över sitt arbete och tjäna royalties från återförsäljning; extra samlare kommer att befolka marknaden eftersom det har visat sig vara extra tydligt; Etableringar kommer att upptäcka att det är enklare att ha interaktion och stärka sina samhällen genom deltagande och engagemang i styrning. Och äntligen regleras konstmarknaden för det högre, och därigenom vinnas i värde. Faktum är att detta inte kommer att ske på en enda dag eftersom anpassningar inom konstvärlden tar tid. Vi uppskattar 4-5 år för NFT:er att visa sig vara det vanliga för konstverkstransaktioner och autentisering.
CT: Kan du hantera utbredda fel som artister borde hålla sig borta från när de går in i NFT-huset och ställer in sig på långsiktig framgång?
HERR: De flesta artister kommer aldrig in i NFT-huset eftersom NFT:er inte kommer att vara konstverk. Och människor för dyrt, kändisstödda JPEG-filer som vanligtvis kan vara relaterade till NFT-filer kommer att försvinna. Jag antar inte ens att vi kommer att prata om tidsperioden "NFTs" om 5 år, mycket likt att vi inte kan prata om MP3 längre.
NFT är den underliggande know-how som används vid transaktioner av konstverk. Förr eller senare är det inte osannolikt att artisten kommer att registrera varje porträtt som lämnar en studio på blockkedjan. Inom branschen får konstnären inte bara royalties utan är dessutom medveten om vem den helt nya innehavaren är. Detta tillåter dem att arbeta extra självständigt och aldrig enbart vara beroende av gallerier för att annonsera eller autentisera sitt arbete. Som en konsekvens tjänar artister extra för varje erbjudande som erbjuds.
CT: Hur kan samlare framgångsrikt bestämma värdet på konstverk på den dynamiska marknaden när vi talar, särskilt med ankomsten av NFT:er?
HERR: De flesta konstverk är bara inte en utmärkt finansiering. Praktiskt taget alla artister är fångade i ö-nätverk och kommer inte att se någon ökning i värde. Samlare som enbart är angelägna om att skapa välstånd borde enbart fokusera på de konstnärer och gallerier som utgör invånarna i det heliga landet. Men om de är angelägna om att samla konstverk för ett annat motiv (och ser det som grädde på moset när konstnärens värde ökar), kan hela konstmarknaden vara deras utseende.
CT: Har den värdefulla transparensen och likviditeten som NFTs har aktiverat ändrat det?
HERR: Många av dem som köpt NFTs som finansiering har inte kunnat tjäna pengar på dem. De har gått vidare till olika investeringar. Och när hypen tystnat hade de faktiska vinnarna varit de som köpte verk som de uppskattade och behövde stanna kvar med. Ett annat fenomen kan ses; Vi ser för närvarande en sammanslagning av standardkonstmarknaden och några digitala artister som blomstrade under NFT-hypen. Beeple, Dmitri Cherniak, Tyler Hobbs, Casey Reas och Artblocks, som enbart erbjuds på digitala plattformar som OpenSea och riktade sig till en krypto-infödd tittare, har nu börjat ställa ut sina verk med etablerade konventionella spelare inom konstmarknaden som Tempo Gallery. En illustration av Tempo Gallery, som är en del av det heliga landet, kommer att hjälpa dem att visa sitt värde även efter att hajpen och deras kryptomecenater har försvunnit.
CT: Om konstverk bara inte är en utmärkt finansiering, varför ska vi köpa den?
HERR: Efter att ha gjort ett antal informationsutvärderingar på konstmarknaden, har en insamlingsteknik visat sig vara den bästa, köp vad du vill eftersom du absolut inte kommer att tjäna pengar på konstverket du köper. Jag kallar det "Accountable Shopping for" - konceptet att shopping för konstverk inte bara är en handel av ekonomiskt värde, utan dessutom en filantropisk handling. Lite än att placera kontanter i en tillgång donerar jag den, eftersom jag förstår att det är en stor sannolikhet att jag inte kommer att kunna sälja föremålet vidare. Men genom förvärvet stödjer jag konstnären så att hon kommer att kunna fortsätta att skapa konstverk, vilket frammanar hennes grupp att fortsätta med denna viktiga typ av mänsklig kreativitet. För mig är det en metod att göra gott och det kommer med ett föremål jag verkligen gillar och en berättelse att informera.
